Grignotages de mimylasouris

Et si on oubliait le titre français Et (beaucoup) plus si affinités ?

Whaf if...

 

Et si Daniel Radcliffe jouait dans une comédie romantique ?

Les épaules tombantes et le souvenirs des lunettes rondes font barrage à l'idée de beau gosse, mais avec une barbe d'une semaine et un sac en bandoulière, le jeune sorcier emprunté face aux filles se mue comme par magie en sympathique loser sentimental. C'est d'autant plus troublant que l'on est de la génération Harry Potter : ça y est, les personnages des comédies romantiques ont notre âge ; j'ai l'âge de ces personnages. (Suis-je adulte ?)

 

Et si on tournait une comédie romantique à Toronto ?

Perché sur le toit de chez lui, Wallace contemple une skyline à la fois familière et différente de celle que l'on est habitué à voir dans les films. What if est à la comédie romantique ce que Toronto est à New York : moins éblouissant mais plus humain, tranquillement décalé. Le lieu commun en redevient un topos qu'il est bon d'explorer. Tant pis pour ceux qui, obnubilés par l'originalité (impératif catégorique de la course à l'innovation), n'en voient pas le charme.

 

Et si les archétypes s'incarnaient ?

Wallace tombe amoureux de Chantry, qui file le parfait amour avec Ben. Nous avons donc d'un côté un boyfriend à la carrure de rubgyman, amoureux et avocat ; de l'autre, une crevette qui a laissé tomber médecine pour finir rédacteur technique (je vais essayer de ne pas mal le prendre) ; et au milieu, une fausse moche qui a un métier de rêve (au point qu'elle a refusé de passer chef de projet pour pouvoir continuer à dessiner), un copain de rêve, un appartement de rêve et un chat. Pour donner un peu d'épaisseur aux personnages sans faire d'ombre au tableau, on insère quelques moments sombres dans leur biographie (Wallace, le cœur brisé par son ex ; Chantry, orpheline de mère) et on leur colle pour acolytes un couple d'amis déjantés très get-a-room-for-God-sake (Spike, le retour).

 

Et si on nous offrait une comédie romantique dans les règles de l'art ?

Notre héroïque loser, qui accepte l'amitié de la belle à défaut d'autre chose, noue avec elle une complicité à base d'aimants sur le frigo, de délires anti-gastronomiques et de discussions plus WTF les unes que les autres. Imaginez alors quand Ben prend un poste de l'autre côté de l'Atlantique : à la question de savoir si l'amitié entre fille et garçon peut exister, s'ajoute celle de savoir si l'amour peut survivre à la distance. La délibération inclura évidemment un vol express Toronto-Dublin, parce que Chantry le vaut bien (et parce qu'un héros de comédie romantique le peut bien – même avec un job et un salaire pas terrible).

 

Et si on faisait fausse route ?

Dessins de Chantry qui s'animent sur les murs des buildings alors qu'elle traverse la ville en taxi ou parenthèse illustrée d'une recette qui ne dépareillerait pas dans The Grand Budapest Hotel, What if présente tous les signes extérieurs de la comédie romantique indé. Si bien que l'on se met à douter : et si What if était l'histoire d'une désillusion, à la 500 jours ensemble ?

 

Et si What if était l'histoire d'une désillusion, à la 500 jours ensemble ?

Soyons honnêtes, cela ne nous arrangerait pas. Parce que, même si l'on veut croire à l'amitié fille-garçon, on ressemble tous plus à Wallace qu'à Ben. Et l'amour comme prolongement d'une amitié riante et quotidienne, c'est tout de même plus sain que le grand amour, l'amour-passion qui admet la souffrance sous prétexte qu'elle grandit.

 

Et si, au final, il était plus sage que puéril de s'attendrir devant un happy ending régressif comme un carré de chocolat ou un sandwich peanut butter and jelly ?

Sourire indélébile plusieurs jours après.

Tête baissé pour ne pas être vue en train de voir, tête baissée vers la petite sœur avec des perles dans les cheveux, tête baissée au-dessus de l'évier pour faire la vaisselle, tête baissée devant le grand frère pendant le savon plus ou moins (in)justifié qu'il lui passe, tête baissée qui ne suffit pas à cacher le sourire qu'un garçon a fait naître, tête baissée dans des situations à gros potentiels de dérapage – c'est cette tête baissée que Marieme va relever en entrant dans une bande de filles, de celles que l'on croise à Châtelet ou dans le RER, bruyantes et fascinantes d'aplomb. Si l'on remarque tant la posture de la protagoniste, ce n'est pas uniquement parce qu'elle change de coiffure tout au long du film : le cadrage est resserré, proche des visages et des corps adolescents, reléguant la banlieue dans un hors-champ omniprésent/omni-absent. Exit le sujet de société, ce qui intéresse Céline Sciamma, c'est l'humain.

La caméra braquée au plus près des êtres vaut suspension du jugement : on voit Marieme se faire éjecter de la filière générale à la fin du collège, être soupçonnée de vol par une vendeuse aussitôt accusée de racisme, s'admirer chez elle dans une robe défigurée par un antivol, prendre soin de ses petites sœurs, racketer une gamine, s'offrir une chambre d'hôtel avec la bande, qui festoie aux bonbecs (seule évasion possible avec une sortie aux Halles), jouer au mini-golf, se battre pour s'affirmer sous couvert d'honneur à venger, se faire taper par son grand frère, gifler sa petite sœur sur la mauvaise pente, se demander comment elle-même la remonter. Les dilemmes moraux sont le privilège de la bourgeoisie et Céline Sciamma, c'est déjà un exploit artistique en soi, y coupe court. Suspension du jugement : on ne voit plus que des choix, bons ou mauvais, pour essayer de s'en sortir. Parce qu'au final, femme de ménage, dealeur de bons plans foireux, pute du caïd local ou épouse de l'amoureux qui ne tardera pas à lui coller des marmots, Marieme a surtout le choix de l'embarras. 

Pleurant un instant face à Paris, qui se devine, à la fois proche et lointain, comme un avenir dont elle serait exclue, Marieme finit par relever la tête – pour partir, peut-être, ou simplement pour avancer vers l'âge adulte, où l'on continue à dire non, en sachant désormais que dire non à une chose, c'est dire oui à une autre. Une fois que l'on a appris qui l'on n'est pas, il est temps de découvrir qui l'on est – ou de l'inventer (ce qui risque de prendre tout une vie).

Mit Palpatine

Attention spoiler... à propos de How I met your mother. Les spoilers concernant Gone girl ont été relégués en notes de bas de page.

 

J'ai récemment vu la fin de How I met your mother, tardivement pris en cours de route, et il y a eu cette phrase, « She's been gone for six years now », que j'ai comprise de travers, pensant « partie » quand il s'agissait de « morte ». C'est sur cette ambiguïté que joue Gone Girl : la parfaite Amy, portée disparue, est-elle partie (sens littéral), morte (euphémisme) ou simplement folle (gone mad) ? Et corrélativement, son mari Nick est-il juste un mec paumé, un assassin ou une victime ? Le film reconstitue des bribes de leur passé à partir du journal d'Amy, écaillant le vernis du couple parfait, tandis que la police enquête et cherche qui aurait pu en vouloir à une fille si adorable que ses parents en ont fait une héroïne d'histoires pour enfants.

De ce remue-ménage ressurgit un ex, que l'on a envie d'interpeller comme un vieil ami : Hey ! Barney ! Neil Patrick Harris arrive dans Gone Girl avec son passé de How I met your mother : non seulement son personnage est technophile au point d'habiter dans un endroit où tout est télécommandé, mais il conserve cet aspect de comique (volontairement) involontaire, qui fait déraper le film de manière tout à fait jouissive – ou plutôt confirme ce dérapage contrôlé. Le spectateur se demande si c'est du lard ou du cochon : du bacon, évidemment, répondra le réalisateur.

« Je ne pense pas que Gone Girl soir un thriller. Il est divisé en trois parties distinctes, trois capsules de tonalités différentes : d'abord, jusqu'au retournement qui intervient à la moitié du film, on est dans le registre du mystère ; puis le film devient un thriller, qui tire vers l'absurde ; avant de se transformer finalement en satire. » Le ressort du film n'est pas le retournement final : placé à mi-parcours, l'effet spectaculaire qu'il provoquerait lors de la chute est amoindri, mais il participe de cet art ô combien excitant de ne jamais donner au spectateur ce qu'il attend sans pour autant le frustrer – ou de le frustrer pour mieux le combler.

Ce que l'on attendait arrive bien mais pas de la manière dont on l'attendait et surtout : ce n'était finalement pas ce qui importait¹. L'exemple le plus récent que j'ai rencontré de ce déplacement d'accent narratif², c'est justement la fin de How I met your mother : on découvre finalement qui est la mère et comment le narrateur l'a rencontrée mais ce n'est pas le fin mot de l'histoire, de l'histoire qui a été contée, celle d'un club des cinq amical dont la mère a été quasi-totalement absente, la seule histoire dont on se soucie en réalité et que le twist final replace au premier plan. La série a tenu ses promesses au-delà de ce que le titre nous faisait attendre ; c'est pour cela qu'on la reverra avec plaisir. C'est aussi pour cela que l'on pourra revoir Gone girl, contrairement à The Village et autres histoires à revirement unique.

« Je ne m'intéresse au thriller que s'il me permet d'atteindre la satire, de toucher au mystérieux. » « Cette histoire, c'est celle d'un mariage et de la façade narcissique que nous construisons pour séduire notre 'âme sœur', à quel point tout cela devient épuisant et quels renoncements, quelles frustrations cela engendre. » En vouloir à l'autre pour ce que l'on est devenu, soi, bien davantage que pour ce que l'autre est devenu (il serait si simple de le quitter si ce n'était que cela) : l'hyperbole et l'absurde dont se pare Gone girl ne font qu'agrandir la vérité. Le miroir qu'on nous tend, si déformant soit-il, nous reflète toujours, mais la déformation rend la vérité supportable, réjouissante même. Comme au jardin d'acclimatation, on se cherche et on s'amuse de ne pas se trouver, pas vraiment, tout en sachant que c'est nous, que cette forme oblongue ou écrasée vient de notre corps, qu'elle est seulement déplacée dans le reflet, comme sont déplacés les extraits que Gone girl nous présente et qu'en l'absence d'autres indices, on présume chronologiques³ et véridiques⁴. Le film nous manipule, aussi manipulateur que ses personnages⁵, et on y consent, tout comme y consentent ses personnages⁶. Fasciné, on est aussi bonne proie que bon public – et la salle de rire lorsque le gore se fait burlesque (j'étais plus ou moins cachée dans la veste de Palpatine).

 

Les fossettes de Gaspard Ulliel, le menton de Gaspard Ulliel, la bouche de Gaspard Ulliel, les lèvres de Gaspard Ulliel, qui se détachent de celles de Louis Garrel, je défaille, je me rattrape à la taille cintrée de Gaspard Ulliel, le corps nu de Gaspard Ulliel, oh, et les fossettes de Gaspard Ulliel, je vous ai déjà parlé des fossettes de Gaspard Ulliel ?

Sans mon idéal masculin comme acteur principal, qui fait affleurer tous les tourments du créateur, Saint Laurent serait un peu long. La chronologie lâche adoptée par Bertrand Bonello installe une nonchalance qui seyait à la sensualité fin de siècle de L'Apollonide mais s'enlise dans les errances du couturier. La drogue, les amants, la drogue, encore, avec ou sans inspiration... Des dates s'affichent en énorme en rouge sur l'écran mais ce récit au point arrière, où il faut toujours repartir en arrière pour avancer, peine à bâtir un parcours, une personnalité.

De couturier, il n'y en a guère qu'au début et à la fin du film : un cadre parfait pour y installer une icône, une icône telle qu'aucun vice, aucun tort ne l'atteint jamais. Au contraire, chaque vice, chaque tort, devenant élégance par une diction délicatement maniérée, renforce son statut d'icône, incontestable. Saint-Laurent, c'est le génie, celui qui ne vient de nulle part, ni du travail ni de la drogue, et qui est si bien installé qu'on n'a pas besoin de le (dé)montrer. Bertrand Bonello nous tend ainsi des scènes comme le couturier tend ses dessins, sachant qu'on se chargera de leur donner la forme escomptée. On : les spectateurs, les petites mains, tous ceux qui s'inclinent devant une légende qu'ils ont par leur croyance participé à construire. À commencer par Pierre Bergé, l'homme de l'ombre qui a oeuvré pour faire d'Yves Saint-Laurent un nom, veillant à la rentabilité de la maison et à la réputation de son compagnon. Ironie que ce biopic qui lui rend hommage alors qu'il l'a désavoué – et qui, lui rendant hommage, ruine ses efforts pour calfeutrer et même commercialiser un parfum de scandale. Opium du peuple que la fêlure des grands.

Au final, plus qu'une silhouette (que je peine à identifier), YSL est un visage, une marque reconnue, que le film évoque par son affiche – le profil du créateur plutôt que la silhouette d'une création. Le biopic terminé, je ne sais toujours pas très bien ce qu'a apporté à la mode cet homme qui aimait les hommes et n'habillait que les femmes : que la femme soit, en costume, un homme comme les autres ?

Mit Palpatine