Grignotages de mimylasouris

Loin du glamour des séries TV médicales (que l'on regarde pendant sa garde), Hippocrate nous introduit dans l'univers hospitalier tel qu'il est vécu par ceux qui y travaillent. Oubliez les internes sexys qui ne pensent qu'à leur prochaine conquête, amoureuse ou médicale : Benjamin, l'œil terne et la bouche constamment entrouverte, a tout de l'ado mou. Mais un ado mou sensible qui s'est coltiné médecine et débute son internat dans le service de son père – quand même !

Les fêtes qu'organisent ses camarades et les bites géantes taguées sur les murs de la cantine et de la chambre de garde apparaissent rapidement comme un défouloir dérisoire face à ce qui, chaque jour, aggrave un peu plus la fatigue et la lassitude de leurs supérieurs hiérarchiques : le manque d'infirmières et de médecins, qui ont toujours plus de patients sous leur responsabilité, le manque de lits, qu'il faudrait pouvoir libérer plus rapidement que ne l'exige le traitement, et le matériel défaillant, à l'origine de la faute médicale qui va précipiter les choses.

Hippocrate montre les cigarettes que ces professionnels de la santé s'enfilent sans discontinuer « pour respirer » ; les pourparlers pour ne pas se coltiner la garde du 25 décembre ; la terreur de se retrouver seul la nuit, à prendre des décisions vitales ; les médecins étrangers faisant fonction d'internes et donc payés une misère au vue de leur expérience (néanmoins prise en compte lorsqu'il s'agit de les sanctionner), ou encore les règles de la bureaucratie, censées cadrer les actions des médecins et empêcher des dérives, qui les incitent à entériner des décisions qui vont contre le bien-être des patients. Alors quand les médecins font corps pour couvrir l'un de leurs, qui a fait une erreur – humaine, aussi désastreuses soient les conséquences –, on n'a pas envie de les accuser de mensonge parce que les hypocrites, c'est nous, la société, qui reléguons la maladie loin de nous pour ne pas la voir, occultant par la même occasion les conditions de travail précaires de ceux qui s'en chargent. Réaction finale (au gouvernement) : mais filez-leur nos impôts !

Une femme qui trompe l'ennui de sa vie à la campagne en trompant son mari... Madame Bovary n'aurait pas grand intérêt sans la maîtrise du discours indirect libre de Flaubert, qui prend ainsi ses distances avec son héroïne dans le moment même où il épouse ses pensées. Toute la réussite de Gemma Bovery est d'avoir trouvé un moyen de rejouer ce point de vue mi-empathique mi-ironique. Ce point de vue, c'est celui de Martin, bobo parisien reconverti boulanger dans un coin paumé de Normandie, qui commence à se faire des films lorsque emménage à côté de chez lui un couple d'Anglais : Gemma et Charles Bovery. N'ayant de cesse de trouver des points communs avec le roman de Flaubert, la boulanger fait du jeune héritier local, étudiant en droit, un Rodolphe (Boulanger !), surprend Gemma avec son ex amant à Rouen et lui fait une scène lorsqu'il découvre qu'elle a chez elle de la mort aux rats. La prophétie auto-réalisatrice du lecteur/metteur en scène qu'il est délecte Martin par ses coïncidences et l'affole par le destin qu'il connaît à l'héroïne flaubertienne. Il faut voir la tête de Luchini, ahuri, jubilant - et jubilatoire. Alors que dans le roman de Flaubert, le point de vue depuis lequel s'exerce l'ironie n'est pas visible, il est ici incarné par Luchini. Et encore s'agit-il davantage d'autodérision que d'ironie, car le point de mire est moins Gemma que Martin. Madame Bovary, c'est lui ! C'est lui qui illustre notre propension au rocambolesque, notre tendance à transformer tout ce que l'on vit et voit en histoires (qui arrivent par là même, du simple fait d'être racontées). Lorsque la banalité rattrape la fiction, elle ne l'anéantit pas, comme c'est le cas 

Le théâtre des Champs-Elysées n'est absolument pas fait pour la danse. On y voit mal d'à peu près partout et, quand par bonheur la vue est dégagée, on se retrouve avec les genoux sous le menton. Autant dire qu'avec les tarifs prohibitifs pratiqués pour la série TranscenDanses et en l'absence de tarifs de dernière minute, la salle s'est retrouvée à moitié vide, ce qui est fort dommage lorsqu'on consacre une soirée entière à un chorégraphe majeur de notre époque – mais fort pratique pour se replacer. Encore aurait-il fallu savoir que Jiří Kylián affectionne particulièrement le côté cour : les belles asymétries de Bella Figura et Gods and Dogs ont ainsi régulièrement disparu dans notre angle mort, avant que Palpatine et moi nous replacions à l'entracte, un peu loin mais de face, pour Symphonie de Psaumes.

Les collants noirs et les bustiers rouges de Bella Figura m'ont rappelée l'atmosphère feutrée de Doux mensonges. Les flammes allumées en arrière-scène instaurent un climat intime, presque d'alcôve, portant avec leurs ombres le souvenir jamais vécu d'innombrables soupirs devant un feu de cheminée. Métaphore de cuisses écartées, les jambes se rétractent en grand plié seconde (en crabe) lors des portés, petites morts répétées. Étrangement, pourtant, il n'y a pas grand-chose de sensuel dans ces pas de deux secrets : l'émotion, si l'on est ému, vient du fort esthétisme d'une scène fort brève, où danseurs et danseuses se retrouvent torse nu dans d'amples jupes rouges à paniers – cette même jupe qui habillait-déshabillait depuis le début l'une des danseuse, fil-jupe rouge qui, par ses apparitions, légitime le nom de Bella Figura.

À ce ballet reconnu comme un chef d'œuvre depuis maintenant bientôt vingt ans (1995), j'ai pourtant préféré le relativement récent Gods and Dogs (2008), qui ressemble davantage à ce que l'on avait pu voir lors de la soirée proposée par le théâtre de Chaillot. Moins WTF que Mémoires d'oubliettes (2009) – il n'y a pas de pluie de canettes argentées et l'on fait facilement abstraction de la vidéo de chien cauchemardesque qui court au ralenti en haut de la scène –, Gods and Dogs possède la même énergie, quelque chose de plus abrupt et puissant, et par là même plus violemment sensuel que les pièces censément sensuelles. Les corps semblent parfois sur le point de se disloquer – non pas, comme chez Forsythe, dans des extensions extrêmes mais dans des tensions internes, un ébranlement du corps qui l'entraîne dans des angles bizarres. Mon moment préféré est sans doute celui où les danseurs de deux duos, mains au sol, s'érigent en appuyant leurs pieds sur les épaules et le cou des filles, bien droites, grandes, jambes plantées dans le sol et regard dans le lointain. Elles inébranlables et eux enragés. Gods and Dogs, c'est toute la contradiction, tout l'équilibre de la danse (et de l'humain, un pied dans la boue, un œil sur les étoiles) : s'élever en étant solidement ancré dans le sol.

Je ne sais pas si c'est parce que la soirée s'achevait, mais la Symphonie de Psaumes n'a provoqué aucun élan mystique ni esthétique chez moi. Les colonnes de danseurs qui se font et se défont, qui ondulent comme la colonne vertébrale d'un être plus grand, me font penser à certains ensembles de Boris Eifman mais, à sans cesse s'écarter de l'énergie qu'elles dégagent, on échappe au grandiose qu'elles pourraient susciter et l'on glisse sur la musique, tel Ratmansky, à côté. La sortie est amortie par une mosaïque de tapis ; je m'attendais à être plus secouée.

Coppélius de concert, le chef d'orchestre se trouve projeté le buste en arrière sous l'assaut de la musique. Cela cavale ! Cela cavale même beaucoup pour une musique religieuse... qui n'en est pas puisqu'il s'agit de l'ouverture de Guillaume Tell qui, en l'occurrence, ouvre sur le Stabat Mater de Rossini. À un morceau (de choix) près.

À la cavalcade que je connaissais sans connaître, a suivi la pièce d'un compositeur que je connaissais sans l'avoir reconnu : Respighi truffe sa partition de notes égrenées à la harpe, au xylophone et à tout un tas de petits instruments de percussions, dont mes préférés restent ces espèces de souris d'ordinateur, disposées côte à côte comme les pépins d'une pomme stylisée, et sur lesquelles les doigts du percussionniste rebondissent joyeusement. Anthopomorphisme murin : ce sont des castagnettes, dont je n'avais jamais soupçonné qu'on puisse en jouer sans les tenir au creux de la main. Encore plus curieux, elles n'introduisent aucune espagnolade : on a moins envie de taper des mains et des talons que de se lancer dans un manège de tombés posés tours et grands développés seconde en tournant. Ce n'est pas pour rien que ce morceau de Respighi a pu être considéré comme de la musique de ballet ; la proximité de Rossiniana avec Chopiniana aurait dû me mettre la puce à l'oreille !

Je retrouve dans le Stabat mater de Rossini ce qui m'avait plu dans la Petite Messe solennelle : la proximité d'une musique dite religieuse avec l'opéra, la chaleur italienne pour évoquer des thèmes sombres, le côté tout à la fois bourrin et délicat d'un Hugo, comme la dentelle de pierre d'une cathédrale. Et les chœurs... si puissants et si fins que j'ai un moment eu l'impression que les voix provenaient des archets des contrebasses. Et cet a-men final où l'on tombe presque dans le silence entre les syllabes, deux souffles de résignation sereine avant la clôture instrumentale.... Il n'y a que les Italiens pour avoir ce sens du grandiose. Et offrir des chocolats à la sortie. Merci Rossini, merci le Teatro Regio Torino.